Historia de la Música Country

La siguiente es una muy breve historia del desarrollo de la Música Country. Realizar algo más completo llevaría muchísimo más espacio, de hecho, muchas enciclopedias se han escrito al respecto. La razón del siguiente material radica en el interés que muchos navegantes han expresado de poder acceder a algo que les clarifique momentos y estilos en el género que nos atrae.

Muchos nos indicarán que faltan nombres, fechas y/o momentos. Lo sabemos, pero aclaramos que hacer algo más completo llevaría no sólo mucho más espacio, sino que correríamos el riesgo de aburrir a aquel que sólo busca un somero racconto del género country.

También hemos intentado seguir una línea histórica en el desarrollo del género y sus variantes, pero en muchas oportunidades, esto se ha vuelto difícil, ya que muchos movimientos y subgéneros fueron surgiendo prácticamente de manera paralela.

A.M.C.U.

Llegando a América
La tradición de narrar historias en canciones es algo que se remonta a la Edad Media, cuando no existían medios para llegar masivamente al público por la palabra escrita. Era entonces la música la que ayudaba a esparcir las historias, muchas veces reales, muchas veces inventadas, que eran transformadas en canciones.

En la Europa medieval, el baladista o bardo era aquel historiador oral que, en una sociedad analfabeta, se encargaba de reunir las historias de su pueblo y las narraba con un telón musical. Este bardo era amplio responsable de la memoria colectiva del pueblo y era muchas veces más respetado que el mismísimo rey. Más adelante, el "minstrel" fue el encargado de transmitir esas historias, pero convirtió el telón musical, usando populares melodías y adaptando sus historias en rima para poder usar la música que elegía.

Desde los celtas hasta la Escocia medieval, estas tradiciones musicales llegaron junto a los colonizadores europeos al nuevo continente y se instalaron en el oeste de lo que es hoy Estados Unidos.

Para 1776, más de 250.000 personas habían llegado a Estados Unidos desde las Islas Británicas, de los cuales más del 50% eran de ascendencia escocesa, trayendo consigo sus historias, sus baladas y tonadas y sus instrumentos, más específicamente, el violín. El acompañamiento musical se realizaba con gaitas o arpas, pero no fue hasta la llegada del violín desde Italia en el siglo XVI que la música de las Islas Británicas se instalaría definitivamente en el nuevo mundo.

Los inmigrantes franceses establecidos en lo que hoy es Canadá, serían desplazados por los colonizadores británicos y terminarían mudándose a lo que es hoy el estado de Louisiana. Llevarían consigo toda su tradición francesa, sus estilo de vida, su cocina y su música, todo lo cual, fundiéndose con el estilo de vida local, derivaría en un subgénero country llamado Cajun.

Con el arribo de las vías de tren y el ferrocarril, nuevas influencias como el banjo, llegaron. Luego vendría la guitarra, mucho más práctica para el acompañamiento. Con la fabricación masiva de la guitarra, al comienzo del siglo XX, este instrumento llegó a manos del hombre común con más facilidad y fue usada primero como acompañamiento, rasgueándola, pero lentamente, se fue introduciendo el punteo para adornar más las canciones.

Las arduas jornadas de trabajo se veían reflejadas en canciones, que eran transmitidas oralmente, durante largas horas de trabajo, muchas veces hasta improvisando letras sobre viejas melodías conocidas. Luego del día de trabajo, reuniones familiares junto a vecinos, originaban verdaderas "guitarreadas" que hicieron que la música acústica -basada preferentemente en la guitarra, el banjo, la mandolina o el violín- se fuera popularizando cada vez más.
Los temas de estas canciones -incluso muchas veces cantadas a capella- no distaban mucho de los temas presentes en la Música Country: la muerte, el amor, el abandono, el engaño, crimen y castigo. En el sur de los Estados Unidos, surgió un tipo de canción llamada "canción evento", que tal cual un noticiero, era una crónica de las historias del momento. Un ejemplo es "The Wreck of the Old '97," basada en un desastre en las vías del tren en 1912 en el estado de Virginia.

A fines del siglo XIX, junto a compositores sureños como Stephen Foster, sumados a la tradición del vaudevil, se dió el auge del "show viajero", donde cuenteros brindaban una mezcla de comedia y música, mientras ofrecían milagrosas medicinas de dudosa calidad. Por este medio se popularizaron temas como "Buffalo Gals," y "Turkey in the Straw." Sumemos a esto la música religiosa, o Gospel, salida del profundo Sur de los Estados Unidos y que ha seguido influenciando al género country hasta el día de hoy con sus armonías vocales, sobre todo en el género Bluegrass. También el Blues, originario primero en África y traído a su vez a América por los esclavos, se convirtió en una fuerte influencia y la música country comenzó a enriquecerse y crecer cada vez más.

La Radio Hace su Aparición
El surgimiento de la radio logró que la Música Country pudiera llegar más masivamente. Los discos no eran muy comunes, así que los artistas recorrían las estaciones radiales interpretando sus temas en vivo. Uno de los más populares shows era el Grand Ole Opry, de la estación WSM en Nashville, presentado por el legendario George D. Hay. Entre las estrellas de esta época podemos encontrar a Vernon Dalhart, Deford Bailey, Uncle Dave Macon o el grupo The Skillet Lickers.

Algo característico en esta época que resultó de sacar provecho de los micrófonos radiales, eran las armonías vocales. En esta época logran gran éxito los Monroe Brothers, the Delmore Brothers y los Blue Sky Boys (Bill y Earl Bolick)

Apenas los músicos comenzaron a combinar los sonidos de la guitarra, el violín y el banjo, se dió el surgimiento de las llamadas bandas de cuerdas o "string bands" creando una música llamada primero "hillbilly" y luego música montañesa (mountain music). Los músicos dejaron de repetir las viejas tonadas traídas del viejo continente, para comenzar a crear nueva música. Estas bandas llegaron a los bailes en graneros, los cuales comenzaron a ser transmitidos en vivo, alternados con los mini-conciertos que los artistas daban en las radios. Es aquí cuando hacen su aparición los sellos discográficos, buscando esa creciente popularidad del género, y surgen estrellas que comienzan a grabar sus álbumes, como Eck Roberts, Fiddlin' John Carson y el grupo The Skillet Lickers.

Por estos años también cobran resonancia los artistas que graban las llamadas Bristol Sessions para Ralph Peer. Los mayores artistas salidos de estas grabaciones fueron The Carter Family y Jimmie Rodgers.

Fueron uno de los grupos más influyentes en la Música Country, con una agrupación original formada por Alvin Pleasant (A.P.) Carter, Delaney y Virginia. A.P. comenzó a cantar en la iglesia con su tío y dos hermanas mayores. Luego conoció a Sara Dougherty con quien contrajo matrimonio el 18 de junio de 1915. Ella ejecutaba la guitarra, la colombina y el banjo. La tercer integrante del grupo, Maybelle Addington, se unió luego de casarse con el hermano de A.P., Ezra Carter. También tocaba guitarra, colombina y banjo.
La familia Carter grabó por primera vez para el sello Víctor el 1º de agosto de 1927 y fueron seis canciones, incluyendo "Single Girl, Married Girl." Luego de grabar aproximadamente 20 canciones para este sello, el 11 de diciembre de 1934 se mudaron al sello ARC, donde grabaron 40 títulos. Sara y A.P. se divorciaron pero continuaron trabajando juntos y luego fueron a Texas. En este período, otros miembros se unieron al grupo: Anita, June y Helen, hijas de Maybelle y Ezra. Luego de más grabaciones para el sello Columbia, el grupo se separó en 1943, habiendo dejado 250 clásicos como "Wabash Cannonball," "Lonesome Valley" y "I'm Thinking Tonight of my Blue Eyes." Fueron grandes ídolos en la época de la Gran Depresión.

Jimmie Rodgers
Una de las primeras superestrellas de la Música Country fue Jimmie Rodgers, ex-maquinista de tren quien introdujo country-blues a una audiencia masiva, y adornó su canto con el clásico yodel, o canto tirolés.

Conocido como el Padre de la Música Country, Rodgers, nacido en Meridan, Mississippi, el 8 de setiembre de 1897, trabajó en las vías de ferrocarril de muy joven, pero problemas de salud lo obligaron a buscar otra forma de ganarse la vida. Pintándose la cara de negro, cantaba en Medicine Shows, recorriendo Estados Unidos, junto al guitarrista Ernest Helton, pero luego se les unieron Jack Pierce en guitarra, Jack Grant en mandolina y banjo y Claude Grant también tocando el banjo, aunque luego Rodgers siguió como solista, grabando para el sello Bristol. Debido al éxito de sus primeras grabaciones "The Soldier's Sweetheart" y "Sleep, Baby, Sleep," más canciones siguieron entre ellas su gran éxito "T For Texas." Para 1928 era una superestrella y vendía miles de discos, pero los años, las giras y las grabaciones afectaron su salud, algo reflejado en su composición "TB Blues" (TB= tuberculosis). Aún así, siguió grabando, dando conciertos para los granjeros afectados por las sequías y trabajando en radio, hasta el 24 de mayo de 1933, cuando terminó de grabar "Fifteen Years Ago Today." Al día siguiente comenzó con hemorragias, entró en coma y falleció el 26 de mayo de 1933. Rodgers, Fred Rose y Hank Williams fueron los primeros electos al Country Music Hall of Fame, en 1961.

Los Años 30: Country Post-Depresión
La Música Country al Galope
En la década de los años 30, si bien la Gran Depresión había golpeado los bolsillos de los norteamericanos, éstos seguían disfrutando de sus estrellas en la radio y además, el cine trajo a los vaqueros cantantes, quienes introducían abundante Música Country en sus semanales aventuras. Recordemos que por esa época, al no existir la televisión, la gente podía ir semana a semana a ver a sus héroes favoritos al cine, con el surgimiento de las primeras series o seriales. Algunos de estos ídolos eran Gene Autry, Tex Ritter y Roy Rogers. El cine popularizó el subestilo country llamado Western Music, que con suaves armonías y rítmicas guitarras, imitaba el cabalgar de los caballos, con letras que narraban la vida de estos héroes.

Otra de las grandes figuras del género country en las décadas de los años 30 y 40, fue Roy Acuff.
Roy Clayton Acuff nació el 15 de setiembre de 1903 en Maynardsville, Tennessee. A punto de comenzar a jugar béisbol para los New York Yankees, una terrible insolación lo mantuvo en cama por un buen tiempo y cortó su carrera, pero aprendió a tocar el violín durante este tiempo. En 1933 formó el grupo The Tennessee Crackerjacks y luego comenzó a trabajar en su propio programa radial en Knoxville. Comenzó grabar con ARC, la cual luego se unió con Columbia, y de allí surgieron clásicos como "Great Speckled Bird" y "Wabash Cannonball." Por primera vez apareció en el Grand Ole Opry en 1938 y se volvió un artista frecuente en el show junto a su grupo The Smoky Mountain Boys. En 1942, junto a su amigo Fred Rose, fundó la compañía Acuff-Rose, la cual sería una de las más importantes en el género country. Más éxitos llegaron, como "Wreck on the Highway" (1942), "Fireball Mail" (1942) y "Night Train to Memphis" (1943). Cuando Columbia le solicitó cambiar su estilo, Acuff partió a los sellos MGM, Decca y Capitol. Por años fue un exitosísimo intérprete, mientras que su compañía crecía impresionantemente. Tal contribución para la Música Country fue recompensada cuando en 1962, fue el primer artista aún vivo en ser incluído en el Hall de la Fama de la Música Country.

De los más de 600 shows radiales que presentaban Música Country en vivo, el show de la estación WSM, Grand Ole Opry era el más popular.
Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, la popularidad del género country siguió en ascenso gracias a la Camel Caravan, un grupo de artistas del show radial Grand Ole Opry, que recorrían las bases militares, auspiciado todo esto por los cigarrillos Camel. A través de esta caravana fue que la música llegó a todas partes de Estados Unidos y del mundo.
Poco a poco, sellos y empresas discográficas comenzaron a abrir sus puertas en Nashville, convirtiéndola en la llamada "Music City, USA."

El inmortal Hank Williams
Sin duda alguna, una de las grandes figuras de la música norteamericana, Hank Williams ha cruzado fronteras estilísticas y su música ha sido grabada por artistas tan disímiles como los Carpenters, Tony Bennett o Elvis Presley. Hiram King Williams nació en Georgia, Alabama, el 17 de setiembre de 1923. A los 6 años ya cantaba en el coro de la iglesia y su madre le regaló una guitarra, la cual aprendió a tocar con la ayuda de un músico ciego, Rufe Payne. De adolescente, formó su banda llamada The Drifting Cowboys, tocando por más de diez años en la estación radial WSFA en Montgomery. Williams firmó contrato con Sterling Records y luego con MGM y después del éxito de "Lovesick Blues", llegó un contrato con el Grand Ole Opry. Fred Rose fue su productor, arreglador, música y co-compositor, y juntos comenzaron a lanzar éxito tras éxito, con títulos como "Wedding Bells", "Mind your Own Business", "My Bucket's Got a Hole in it", "Long Gone Lonesome Blues", entre muchos otros. Williams siguió teniendo más sucesos con sus propias composiciones, "Cold, Cold Heart", "Hey, Good-lookin'", "Honky Tonk Blues", "Half As Much", "Jambalaya", "Your Cheatin' Heart", "Take These Chains" y muchas más, que ya se han convertido en verdaderos clásicos que definieron el sonido Honky Tonk. Constantemente consumiendo drogas para combatir los dolores de su espalda, resultado de un accidente ecuestre a los 17 años, Williams era además un alcohólico y la letal mezcla lo llevó a fallecer de un ataque cardíaco el 1º de enero de 1953, a los 29 años.

Los Dorados Cincuenta

Rockabilly: Country Para Jóvenes
"Un blanco con la energía de un negro" era lo que Sam Phillips buscaba. Phillips, dueño de un pequeño estudio de grabación llamado Sun Records en Memphis, Tennessee, fue él solo descubridor de una legendaria lista de talentos, primordialmente artistas hasta ese entonces country. A mediados de la década de los años 50 empezó a incluir elementos del sonido Rhythm'n'Blues en su música, logrando un híbrido llamado Rockabilly. El género country dejó de ser consumido sólamente por mayores de 30 años, para llegar a los adolescentes, que bailaban frenéticamente al ritmo de esta especie de Rock and Roll. La respuesta a la necesidad de Phillips fue Elvis Aron (con una "A") Presley.

Más información de Rockabilly, haciendo click aquí.

Elvis: The Hillbilly Cat

Nacido en Tupelo, Mississippi, el 8 de enero de l935, Elvis, como muchos cantantes sureños, comenzó entonando los himnos religiosos de la iglesia. A los 13 años, su familia y él fueron a Memphis y comenzó a cantar en bailes locales. Con los años, comenzó a trabajar como camionero mientras se presentaba en distintos shows, interpretando música country.
Al grabar el tema "My Happiness" para obsequiar a su madre Gladys, Elvis fue descubierto por Sam Phillips y organizaron un trío junto a Scotty Moore y Bill Black. Elvis encaró una versión "countryficada" de un clásico de Blues, "That's All Right, Mama" y una muy personal del clásico de Bluegrass de Bill Monroe "Blue Moon of Kentucky". Su nuevo manager, el Coronel Tom Parker, llevó a Elvis de circuitos country donde se estaba haciendo cada vez más famoso, a un exitoso cntrato con el sello RCA Records, pero fue gradualmente transformando el sonido de Elvis, para convertirlo en un suave baladista, continuando una exitosísima carrera hasta el día de su muerte, el 16 de agosto de 1977.

Johnny Cash
Otro descubrimiento de Sam Phillips fue John Ray Cash, nacido en Kingsland, Arkansas, el 26 de febrero de 1932. Luego de terminar la escuela secundaria, Johnny tuvo varios trabajos y se enlistó en la Fuerza Aérea, donde estuvo cuatro años y aprendió a tocar la guitarra.
De regreso en Memphis, donde contrajo matrimonio con Vivian Liberto, formó un trío con Luther Perkins y Marshall Grant, donde luego de trabajar gratis en la estación radial KWEM, lograron una audición con Sam Phillips. Varios éxitos surgieron de esta colaboración, con temas compuestos por el propio Cash, como "Hey Porter", "Cry, Cry, Cry", "Folsom Prison Blues", "I Walk The Line", entre otros. En 1958 firmó contrato con Columbia Records, incorporó al baterista W.S.Holland y además incluyó más músicos tanto para sus presentaciones -a esta altura muy exitosas- como para sus grabaciones. En diciembre de 1961, comenzó a trabajar con June Carter, y comenzó a volcarse al consumo de píldoras para mantenerse despierto para dar todos sus conciertos y luego pastillas para poder dormir, comenzando un ciclo interminable. En 1966, Liberto pidió el divorcio y en marzo de 1968, Cash contrajo matrimonio con Carter, quien después de muchos años de trabajo, logró que Johnny superara su adicción a fines de la década de los 60.

A pesar de su pobre salud a lo largo de esa década, Cash nunca dejó crear música de primer nivel, con éxitos como "I Got Stripes", "Ring of Fire", "Understand Your Man", "Daddy Sang Bass" entre muchos otros, grabando importantes álbumes rescatando la situación de los presidiarios, dando conciertos en penitenciarías como San Quintín o Folsom, así como "Blood, Sweat and Tears" en homenaje a los trabajadores o "Bitter Tears" denunciando el destrato a los indios norteamericanos.
En 1983, recayó en su adicción a las píldoras pero logró recuperarse. Cash fui incluido en el Hall de la Fama de la Música Country y del Rock and Roll. Falleció el 12 de setiembre del 2003.

Más artistas que brillaron en el Rockabilly fueron, por ejemplo, Marty Robbins, George Jones, Charlie Rich, Carl Perkins, Sonny Burgess, Johnny Burnette, Dorsey Burnette, Charlie Feathers, Roy Orbison, Gene Vincent y Eddie Cochran.

Nashville Sound
Durante la segunda década de los años 50, el Rockabilly fue el estilo de música country más popular y muchos artistas que antes hacían otros estilos country, se volcaron a este nuevo sonido, pero muchos otros, como Eddy Arnold o Jim Reeves, se dedicaron a hacer un country más suave, que fundaría las bases del estilo llamado "Nashville Sound".

Buscando llevar al sonido country a las grandes ciudades y a públicos ajenos al mismo, hacia fines de la década de los años 50y principios de los 60, se "adornó" a esta música, agregando enormes orquestas con cuerdas y vientos. Las armonías vocales del sonido country fueron cambiadas por pulidos coros, en general a cargo del cuarto The Jordanaires o del grupo The Anita Kerr Singers. Los artistas dejaron de presentarse con su típico atuendo de vaquero para presentarse de traje ellos y sofisticados vestidos ellas. Se evitaba todo tipo de acento y se buscó pulir la dicción de los artistas. El toque Country estaba dado por una base rítmica de batería y bajo y un ocasional toque de guitarra steel.

Si bien muchos criticaron este estilo, sobre todo aquellos que escuchaban algo más tradicional o quienes se habían volcado al nuevo Rockabilly, el surgimiento del Sonido Nashville significó una expansión del mercado musical y un cambio en el sonido.

Liderando este estilo musical, existió un grupo de productores incluyendo a Chet Atkins, Owen Bradley y Billy Sherrill.

Chet Atkins
Chester Burton Atkins, eximio guitarrista de country y de jazz, apodado "Mr. Guitar" es considerado el creador del Nashville Sound en el sello RCA Records, en 1957. Don Gibson, The Browns y Jim Reeves fueron algunos de los primeros artistas que comenzaron a utilizar este nuevo estilo musical y su popularidad ascendió espectacularmente. Atkins fue elegido al Country Music Hall of Fame en 1973.

Owen Bradley
Encargado de Decca Records a partir de 1958, Bradley, junto a su hermano Harold, fue quien llevó al mercado masivo a artistas country como Brenda Lee y Patsy Cline, entre una larga lista. Con Bradley, el sonido de Patsy Cline llegó más cerca del pop que del country, con éxitos gigantes como "Sweet Dreams","Crazy" y "I Fall to Pieces" y su imagen vaquera fue cambiada por vestidos adecuados para un público citadino. Patsy falleció a los 30 años en una accidente aéreo, el 5 de marzo de 1963. Bradley fue incluido en el Country Music Hall of Fame en 1974.

No sólo la introducción de grandes y pulidas orquestas fue la característica del Nashville Sound, sino también el uso de los mismos músicos para todos los artistas. Algunos de estos músicos de sesión fueron los guitarristas Harold Bradley, Grady Martin, Ray Edenton, Fred Carter y Hank Garland, el violinista Tommy Jackson, Charly McCoy en armónica, los pianistas Floyd Cramer y Hargus "Pig" Robbins, el bajista Bob Moore y el baterista Buddy Harman, sumados a la orquesta The Nashville Strings. Debido al uso de los mismos músicos en todos los temas, muchos criticaron la similitud entre los estilos de los artistas, pero sin embargo, los discos se seguían vendiendo de a millones.

Billy Sherrill
A fines de la década de los 60, un tercer productor se sumó a la producción del Sonido Nashville, Billy Sherrill. Poco humilde, Sherrill declaró que podía convertir en estrellas a cualquiera y que lo que importaba era la canción y no el artista, sin embargo, se aseguraba de rodearse de talento, como eran los casos de George Jones, Tammy Wynette y Charlie Rich.

George Jones
Dueño de varios apodos ("Rolls Royce of Country", "The Possum"), Jones, uno de los más influyentes vocalistas norteamericanos, nació el 12 de setiembre de 1931 en Saratoga, Texas. Claramente influido en sus comienzos por Hank Williams, comenzó su carrera alternando entre el sonido Honky Tonk y el Rockabilly. Luego de un paso por el sello United Artists, Jones se conectó con el productor Pappy Dailey, para el cual dejó éxitos como "Love Bug" o "If My Heart Had Windows" pero luego fue decisivo su paso a Epic Records, donde conoció a Sherrill y a Tammy Wynette. La adicción al alcohol de Jones fue tan famosa como su relación con Wynette, con quien también tuvo éxitos como "We're Gona Hold On","Golden Ring" y "Near You". El período con Sherrill vió a Jones brindar clásicos como "He Stopped Loving Her Today", "Bartender's Blues" y "Whose Gonna Fill Their Shoes", entre muchísimos otros.
Los invitamos a leer una entrevista exclusiva que en el 2015 George Jones concedió a nuestra asociación, haciendo click aqui.

Tammy Wynette
Virginia Wynette Pugh, oriunda de Tupelo, Mississippi, creció con toda la intención de encarar una carrera musical, pero su matrimonio a los 17 años cortó su ilusión. Sin embargo, el nacimiento con problemas espinales de su tercer hija, hizo que tuviera que recurrir a la música para complementar su salario de cosmetóloga. Cantando en clubes nocturnos y recorriendo sellos discográficos, llegó a Epic Records y a Billy Sherrill, quien le produjo clásicos como "Apartmente Nº 9", "I Don't Wanna Play House", "D-I-V-O-R-C-E", "Till I Can Make It On My Own" y "Stand By Your Man".

Charlie Rich
Habiendo sido descubierto por Sam Phillips en la década de los 50 como artista Rockabilly, Rich era un supremo intérprete de Rhythm & Blues y Jazz, que en la década de los años 60, pasó a ser intérprete de country primero en el sello RCA y luego en Epic, bajo la dirección de Sherrill.

Nacido en Forrest City, Arkansas, el 14 de diciembre de 1932, Rich (apodado "The Silver Fox" porque su cabello se volvió platinado a los 23 años) tuvo su primer éxito con "Lonely Weekends" en el sello Sun, para luego seguir con éxitos menores en RCA. En 1972, en Epic, "I Take It On Home" y "Peace On You" le valieron éxito masivo y nominaciones al premio Grammy. Pero fueron "Behind Closed Doors" y "The Most Beautiful Girl" los temas que lo convirtieron en una estrella internacional y un claro ejemplo del ahora llamado "Countrypolitan", el mismo Nashville Sound de años antes, pero con mayores instrumentaciones. Sumado al sonido de Epic, mucho del material Nashville Sound que Rich había grabado para RCA fue re-editado y el mercado se vió prácticamente invadido y gobernado por Charlie Rich. Rich ganó el premio de Artista del Año en 1974, otorgado por la Country Music Association.

Paralelamente al afianzamiento del Nashville Sound, se estaba gestando en la costa Oeste de Estados Unidos, más específicamente en California, un fuerte movimiento de Country-Rock, liderado por artistas como Gram Parsons, Chris Hillman y los grupos The Flying Burrito Brothers y The Byrds y Linda Ronstadt. En el sur de Estados Unidos, sin embargo, surgió un grupo de músicos que comenzaron a sentir la influencia del Swamp Rock, un poderoso estilo roquero originado principalmente en el estado de Louisiana. La mezcla del country con este estilo de rock daría lugar a otro subgénero country, el Rock Sureño o Southern Rock.

Los años 70:
el Countrypolitan y Country-pop y los Rebeldes
El ahora llamado Countrypolitan, fue el estilo que comenzó a gobernar las listas de ventas y popularidad en la década de los años 70.

Llegados de otros géneros, artistas como Kenny Rogers, Anne Murray, Olivia Newton-John y John Denver lograron gran éxito en la Música Country y hasta era muy común ver que tuvieran popularidad masiva tanto en el género country como en el pop y la línea divisoria entre ambos estilos poco a poco comenzó a disolverse.

Kenny Rogers
Kenneth Donald Rogers, nacido el 21 de agosto de 1938 en Houston, Texas, se convirtió a partir de la década de los 70, en uno de los más famosos artistas country del mundo. Luego de recorrer varios grupos en los 60 (Bobby Doyle Trio, New Christy Minstrels y The First Edition) firmó contrato con United Artists para comenzar una carrera definitiva como artista country y en 1976 tuvo su primer éxito con "Love Lifted Me", pero fue "Lucille" en 1977 el que lo estableció tanto en las listas country como pop, reforzado por el éxito internacional de "The Gambler" (El Jugador), "Coward of the County", "She Believes in Me", "You Decorated My Life","We've Got Tonight", "Lady" y muchísimos clásicos más.

John Denver
Producto de la generación hippie, John Henry Deutschendorf Jr., creció siendo educado en escuelas a lo largo de Estados Unidos, ya que su padre era piloto de la Fuerza Aérea y era enviado junto a su familia a varios lados del país. Esto hizo que John tuviera pocos amigos y se refugiara en su guitarra. Luego de sustituir a Chad Mitchell en el trío de ese mismo nombre y lograr éxito como compositor cuando su tema "Leaving On A Jet Plane" fue grabado por el trío Peter, Paul y Mary, el sello RCA le ofreció un contrato, Entre sus clásicos están "Take Me Home, Country Roads", "Annie's Song", "Thank God I'm A Country Boy", "Rocky Mountain High","I'm Sorry", entre otros. Fue en la década de los 70, el artista más exitoso del sello RCA.

Anne Murray
Luego de abandonar su carrera como profesora de Educación Física para dedicarse de lleno a la música, la canadiense Anne Murray llegó a los primeros puestos country y pop con el tema "Snowbird" en 1970. Sus clásicos country-pop incluyen "Cotton Jenny", "A Love Song", "I Just Fall in Love Again", "Shadows in the Moonlight", "You Needed Me", "Broken-hearted Me", "Daydream Believer", etc.

En la segunda mitad de la década de los 70, en Countrypolitan cambió nuevamente de nombre, para pasar a llamarse Country-pop y los éxitos country comenzaron a cruzar cada vez más a las listas de pop, generándose aún más el fenómeno llamado "crossover". Ronnie Milsap, Eddie Rabbitt, Tanya Tucker, Don Williams, Dolly Parton y los grupos Dr. Hook, Eagles y Poco se sumaron a los antes mencionados y comenzaron a codearse con artistas como Neil Diamond y Barry Manilow.

Los Rebeldes
Ya desde mediados de la década de los 60, muchos artistas renegaban del poder de los productores en su música. Merle Haggard, Johnny Cash, Johnny Paycheck y otros lucharon contra los burócratas. Algunos, como Haggard, Buck Owens y Wynn Stewart, abandonaron Nashville y encontraron un nuevo hogar en Bakersfield, en California, donde moldearon su propio estilo de Honky Tonk.
Pero nunca antes la Música Country había tenido el éxito comercial como en la década de los 70, sin embargo, en los estudios de grabación, los artistas seguían sin la posibilidad de tocar con sus músicos y muchas veces, elegían los temas a interpretar dentro de una selección previamente hecho por su productor.
Artistas como Waylon Jennings -cuya música había sido muchas veces afectada negativamente por decisiones burocráticas-, su esposa Jessi Colter, Willie Nelson, Kris Kristofferson, Jerry Jeff Walker, Billy Joe Shaver, David Allan Coe y muchos otros, consideraron que el control debía estar ejercido por aquellos que creaban la música. Jennings decidió obviar a los directivos de RCA en Nashville para ir directamente a los jerarcas del sello en Nueva York, donde realizó sus planteamientos creativos.

Cuando logró la luz verde para crear los discos a su manera, el resultado fue "Wanted! The Outlaws", donde se incluían temas de Jennings, de Nelson, de Jessi Colter y de Tompall Glaser. El término del título del Lp, "Outlaw" -renegado, forajido- hizo que estos artistas y su postura fueran identificados con él. "Wanted! The Outlaws" fue el primer Lp de música country en llegar a ser Disco de Platino, lo cual abrió el camino para otros como Willie Nelson, quien sin las imposiciones de los productores de Nashville, pudo comenzar a incluir en su música elementos de blues, jazz y rock sureño y terminó mudándose a Austin, Texas, donde su música cobró otras dimensiones.

Kris Kristofferson logró que el vuelco en la música fuera del productor hacia el compositor. Sus temas comenzaron a ser grabados por artistas tan disímiles como Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Janis Joplin o Elvis Presley. Con él, el artista volvía a ser el centro del album, logrando además, con su aspecto de hippie, que su sonido country llegara a públicos jóvenes acostumbrados al rock. Kristofferson, junto a Jennings y Nelson fueron los principales responsables de construir ese puente que terminaría uniendo a los tradicionalistas "rednecks" con los hippies rockeros. Los "renegados" eran ahora conocidos por su música, pero al igual que los artistas de rock, por su aspecto, sus drogas y sus posturas políticas.
Los álbumes de "concepto" eran algo común en el rock de la época y Willie Nelson decidió encarar algo semejante con su "Red Headed Stranger". El productor Billy Sherrill intentó "adornarlo" como había hecho con su Nashville Sound, pero Nelson se resistió, teniendo entonces total control de su música. El resultado fue un album que desafía categorizaciones y que catapultó a Nelson a nivel de ícono musical.

Con la popularidad del Country-pop por un lado y de los Outlaws por otro, el momento del country era el mejor. Aquellos con dinero no tardaron mucho en intentar llenar sus arcas con el deseo popular de volcarse al country. Un cuento corto aparecido en la revista Esquire terminó convirtiéndose en el filme "Urban Cowboy" (1979) protagonizado por John Travolta y Debra Winger y dirigido por James Bridges. El tercer protagonista del filme era el gigantesco honky tonk o cantina Gilley's de Pasadena, en Texas, donde se mostró por primera vez un toro mecánico. El juguete nuevo se volvió una sensación y surgieron a lo largo y ancho de Estados Unidos, decenas de clones de Gilley's y miles de discotecas que se convirtieron en especies de gigantescas y sofisticadas tabernas del "lejano oeste". Todos querían ser cowboys y cowgirls, aunque jamás en su vida hubieran visto una vaca verdadera. Ser country era la moda, con grandes sombreros Stetson y apretados jeans y Travolta imponía otra moda, al igual que lo había hecho con las camisas coloridas y los trajes blancos de "Saturday Night Fever". Por supuesto, para todo este público deseoso de ser vaquero, pero poco conocedor del género, había que producir artistas de urgencia. Todo esto originó el llamado estilo "Urban Cowboy" y muchos artistas que eran muy buenos, fueron beneficiados primero al lograr fama con este estilo, pero perjudicados luego, ya que al pasar los años y desaparecido el furor del "Urban Cowboy", muchos de esos cantantes fueron asociados a una moda de mercado: dos claros ejemplos fueron Mickey Gilley y Johnny Lee.

Pero aún habiendo pasado el furor del "Urban Cowboy", siguió existiendo muchísimo público deseoso del género country y el Country-pop seguía victorioso. Dolly Parton, Kenny Rogers, Barbara Mandrell, Crystal Gayle, Lee Greenwood, Emmylou Harris y los Oak Ridge Boys, eran exitosísimos intérpretes que hasta tenían sus propios shows televisivos, incursionaban en el cine, daban gigantescos cnciertos en todo el mundo y agrandaban sus abultadas cuentas bancarias, mientras su música iba más y más, acercándose peligrosamente al pop.

Redescubriendo las raíces: los Neo-Tradicionalistas
Habiendo llegado el género country tan cercano al pop, hubo muchos artistas que consideraban que era imprescindible volver a las raíces y redescubrir aquellos estilos de antaño que tan popular habían sidos, por ejemplo, el Rockabilly, el Bluegrass, el Honky Tonk o el Western Swing. Para estos artistas que buscaban reflotar estos sonidos, se acuñó el término "Neo-Tradicionalistas", un oxímoron que muestra una curiosa contradicción: ¿cómo algo nuevo puede ser tradicional? Los Neo-Tradicionalistas estaban lejos de ser simples "reflotadores" de viejos estilos: eran artistas auténticos que, basándose en estilos tradicionales, creaban música nueva, fresca.
Antes de que se les llamara de esta manera, los primeros artistas en volcarse a esta corriente fueron Ricky Skaggs, John Anderson y Gail Davies. El album que se considera el puntapié para el surgimiento del Neotradicionalismo es "Storms of Life" de Randy Travis, lanzado al mercado en 1987.

Ricky Skaggs
Skaggs, nacido el 18 de julio de 1954 cerca de Cordell, Kentucky, tocó en su adolescencia con las leyendas del Bluegrass Lester Flatt y Earl Scruggsy en 1977, cuando Rodney Crowell dejó la Hot Band de Emmylou Harris para comenzar su carrera solista, llenó la vacanta tocando guitarra acústica y mandolina. Lentamente convenció a Harris de acercarse a sonidos más tradicionales y la introdujo en el mundo del Bluegrass: el resultado fue el album "Roses In The Snow" (1980), donde él jugó un papel importantísimo. Así como años antes, Emmylou había descubierto el Country Rock de la mano de Gram Parsons, ahora Skaggs la llevaba de la mano hacia sonidos más acústicos.
Su amor por el legendario Bill Monroe hizo que Skaggs hiciera nuevas versiones de sus éxitos, como "Uncle Pen" y que además de sus propias composiciones, comenzara a reflotar viejos honky tonks de las décadas de los 40 y 50.

George Strait
Nacido en Pearsall, Texas, en 1952, Strait se ha convertido en unos de los mayores y más exitosos exponentes del country tradicional, volcándose desde sus comienzos a inspirarse en leyendas como George Jones, Merle Haggard, reflotando además, el sonido Western Swing de Bob Wills. Comenzó con su tradicionalismo a principios de los 80 y luego recibió el espaldarazo de Skaggs y los otros Neo-tradicionalistas a partir de la segunda mitad de la década.

Dwight Yoakam
Oriundo de Pikeville, Kentucky, Yoakam, comenzo su estilo vocal siendo una mezcla de Lefty Frizell y Elvis Presley, para culminar en un estilo tremendamente personal. En sus álbumes se ha encargado de presentar la mayor cantidad de subgéneros de country posible, desde Bluegrass, Honky Tonk, Tex-Mex, Western Swing, Rockabilly, hasta sonidos más vanguardistas como Cow-Punk o Psychobilly.

Randy Travis
Junto a Skaggs, Travis, oriundo de Marshville, North Carolina, fue una de las figuras seminales del llamado Neo-Tradicionalismo. Con una voz que rescata las tradiciones vocales de Lefty Frizzell o George Jones, Travis fue responsable de "Storms of Life"(1986), uno de los mejores álbumes de la década de los 80 y exitoso comercial y artísticamente. Pronto, llegaron los premios y los múltiples éxitos, de un artista que es, además, un muy respetable compositor.

Marty Stuart
Comenzó de adolescente a hacer giras con el legendario artista de bluegrass Lester Flatt y luego pasó a la banda de Johnny Cash, de quien llegó a ser yerno (al contraer matrimonio con Cindy Cash). Ha ganado cinco Grammys y tenido 16 nominaciones y su sonido se vuelca al Honky Tonk Bluegrass y Rockabilly. çdebido a su contribución a la Música Country, fue incluido en el Country Music Hall of Fame en el año 2020.

Ricky Van Shelton
Se especializó en revitalizar viejas baladas de los años 50 y 60 y fue muchas veces llamado elPat Boone de la Música Country. También su fuerte fueron el Honky Tonk y el Rockabilly. Hoy se encuentra retirado del mundo musical.

Travis Tritt
Con 400 canciones propias bajo el brazo, a fines de los 80s apareció Travis Tritt, gran fanático de Charlie Daniels y Waylon Jennings y si bien su fuerte fueron las baladas y los temas Honky tonk, en sus cds y shows abundaba el Rock Sureño.

Carlene Carter
Haciendo claras referencias en su música a sus raíces, la hija de June Carter y Carl Smith e hijastra de Johnny Cash brindó estupendo álbumes con mucho Rockabilly y baladas, gran parte del material compuesto por ella, además de reflotar viejas canciones de la legendaria Familia Carter.

Otros artistas dentro de esta corriente Neo-Tradicionalista fueron también Keith Whitley, David Ball, Patty Loveless, Suzy Bogguss y kd lang.

Los años 90: la explosión del New Country
En los años 90, siguieron surgiendo nuevo-tradicionalistas, pero el espectro country se abrió para recibir a otros intérpretes, que quizás décadas antes, nunca hubieran sido considerados country, como Mary Chapin Carpenter o Lyle Lovett. Esta apertura fue también una necesidad de mercado: esos oyentes que buscaron nuevos sonidos, querían obviamente consumir esos sonidos.
Los sellos discográficos salieron con sus "caza talentos" a recorrer tabernas, clubes, discotecas, coffee-houses con el propósito de reclutar a todo aquel artista que ofreciera calidad y que anduviera sin contrato. Esto significó la aparición de muchísimos talentos de muy diversa estirpe musical: en esta época -recordemos, 1989/1990- aparecen artistas como Clint Black, Alan Jackson, Doug Stone, Mark Chesnutt, Patty Loveless, Sammy Kershaw, Hal Ketchum, Lorrie Morgan, The Kentucky Headhunters, Pam Tillis, Travis Tritt, Marty Stuart, Suzy Boggus, Nancy Griffith, Vince Gill, Carlene Carter, Holly Dunn y, sin duda alguna, el más exitoso de todos, Garth Brooks.
Bien vale aclarar que muchos de los nombrados ya habían colocado canciones en las listas country en años anteriores, pero fue en estos dos años en que su lanzamiento los llevó al estrellato.

Con el auge del sonido auténtico del Neo-Tradicionalismo, todos querían volcarse nuevamente a la Música Country. Pero esto no era como había sido la moda "Urban Cowboy".
Paralelamente al aumento enorme de la popularidad del country, se dió el crecimiento de otros estilos musicales como el Rap y el Hip-Hop, así como la aparición de la música Techno. Estos estilos, así como atrajeron a muchos oyentes, también espantaron a millones de otros que, inclinados a consumir música pop, veían inundadas sus radios por sonidos a los que no estaban acostumbrados. Estos oyentes de veintipico a cuarenta años, que en su adolescencia -década de los 70- habían escuchado el pop de James Taylor, Carly Simon, Eagles o Bee Gees, no sentian en la oferta de Metallica o Marilyn Manson, los sonidos que querían escuchar. La propuesta más cercana era la música Country-pop, en ese entonces cabeza a cabeza con el Neo-Tradicionalismo.

Nacido en Tulsa, Oklahoma, el 7 de febrero de 1962, creció rodeado de música country: su madre era Colleen Carroll Brooks, una cantante para el sello Capitol en la década de los años 50. Durante su adolescencia, luego de un primer viaje a Nashville de donde regresó frustrado, formó una banda local llamada Santa Fe, interpretando una mezcla de oldies pop y country, demostrando su amor por James Taylor, Dan Fogelberg, los grupos Boston y Kansas y el tejano George Strait. En 1987, nuevamente en Nashville, comenzó a componer para el sello Capitol, lo que lo llevó a eventualmente grabar sus primeros temas bajo la producción de Allen Reynolds. De allí en más, todos sus canciones se convirtieron en éxitos gigantescos y su personalidad dinámina y dicharachera hicieron que todos gustaran de Brooks. En 1991, su cd "Ropin' The Wind" debutó en el Nº 1 de las listas pop, algo que jamás había logrado un artista country, mientras que su concierto el 7 de agosto de 1997 en Central Park convocó a 800.000 personas. Su fuerte personalidad hizo además que pudiera controlar todo con respecto a su carrera hasta el momento de retirarse del mundo de la música. Si algún día regresa, o causará conmoción y volverá a vender millones, o habrá pasado su cuarto de hora y no llegará a lograr lo que logró en los años 90.

Cuestión de imagen
No debemos dejar de lados los medios, que así como la radio fue fundamental en las décadas de los años 20, 30 y 40, se volvieron esenciales en los 90 . El surgimiento de TNN (The Nashville Network) y CMT (Country Music Television) en 1983, significó que la Música Country estuviera constantemente presente en la televisión. Centenares de radios que habían programado pop en épocas pasadas, se cambiaron al formato country, sumando casi dos mil quinientas en todo Estados Unidos, programando esta música 24 horas al día, sin contar las miles que incluían shows country en su programación. Decenas de publicaciones relacionadas al género salieron al mercado, desde las "serias" con análisis y artículos musicales, hasta las "light", contando las vicisitudes amorosas y mostrando las residencias de los famosos.

Pero el aspecto "visual" y "light" del espectáculo country, hizo que aquellos artistas que físicamente no estaban en sus mejores formas, no fueran considerados para el público masivo y fue así que muchos y muy buenos artistas fueron dejados de lado, sólo por su aspecto. Luego de que los sellos se hubieran asegurado el mercado de los 25 a 50 años, se lanzaron a conquistar a los adolescentes, y así surgieron artistas de gran sex-appeal que atrajeron a ese grupo de edad. Entre ellos se encontraban LeAnn Rimes, Bryan White, Faith Hill y Shania Twain, por ejemplo. Esto trajo aparejado que aquellos veteranos que por un lado eran tan venerados, por otro vieran sus contratos sin renovar y debieran conformarse con que las radios pasaran sus temas como "oldies."

Lo que pasó a ser un negocio, significó para muchos artistas que si un sello les producía un album, este debía vender un mínimo de 50.000 copias o jamás llegarían a ver un segundo cd.

Poco a poco, a principio de los 90, el Neo-Tradicionalismo comenzó a perder la fuerza y a mediados de esa década, el llamado New Country, con toda una gran serie de nuevas estrellas, comenzó a avanzar a pasos agigantados. El New Country incluía más elementos de rock que pop, pero al igual que el Nashville Sound o el Country-pop en su momento, de alguna manera también significaba cierta pérdida de las raíces más puras del country. Una de las artistas que más reflejó este cambio fue Taylor Swift, quien finalmente, terminó dedicándose de lleno a la música pop. Muchos acusaron al New Country de empezar a sonar como la música pop de los 80. Muchos artistas se sintieron incómodos con todo este cambio, principalmente radial. Cantantes que desde la década de los 80 buscaban hacer una música más creativa, como Steve Earle, Emmylou Harris Rosanne Cash o Lyle Lovett, comenzaron a apartarse de este New Country fabricado en Nashville.

New Country vs. Y'Allternative
Un nuevo movimiento comenzó a gestarse, inspirado en los Outlaws/Rebeldes de los años 70 y en el Neo-Tradicionalismo de mediados de los 80 y comenzó a recibir otro nombre: Alternative Country. Con este rótulo, también llamado Alt.Country, Y'Allternative o Americana Music, se pasó a definir a todos aquellos artistas que no eran pop ni tampoco eran rock, pero que incluían en su haber amplias dosis de música country, folk, blues y rock, sumada a esta mezcla, influencias de subgéneros country como Rockabilly, Cajun, etc.
Paralelamente al surgimiento del movimiento alternativo, el New Country seguía produciendo más música con claras influencias rock y pop, con canciones rápidamente olvidables donde todo era simple, sencillo y hermoso y con mucho gancho musical. Llegó el momento en que Música Country se volvió sinónimo de New Country, pero muchos artistas que se consideraban así mismos artistas country, no se identificaban con el rótulo New Country y no querían ser llamados así. Muchos de ellos comenzaron a refugiarse en el sector alternativo: entre los que se contaban a los otrora Neo-tradicionalistas Dwight Yoakam, Marty Stuart y a Butch Hancock, Gillian Welch, Alison Krauss, Junior Brown, el grupo BR5-49, Kim Lenz, Roger Wallace, Patty Booker, Marti Bröm y una larguísima lista de talentos. Su música no buscaba el "gancho" fácil, sino que además de un sonido country más auténtico, las letras cobraban un aspecto primordial y retomaban los temas típicos del country: la soledad, el amor y sus desengaños y la injusticia social.

Ameripolitan
El cantautor Dale Watson y el promotor Phil Doran decidieron crear este término para diferenciar a los artistas auténticos de la Música Country de lo que se estaba promocionando como tal. Para ellos, era engañoso llamar Country a artistas como Kane Brown, Florida Georgia Line u otros que hacian un pop simple de Nashville. Para Watson y Doran el estilo Americana incluye más rock y folk y haberlo llamado Country Clásico implicaba algo retro, en lugar de algo nuevo y original. El término Tradicional tampoco les venía bien porque parecía restringir el estilo a edad de los oyentes. Para Watson, el nuevo término Ameripolitan honra las raíces de la Música Country integrando al Rockabilly, el Cajun, el Western Swing y el Outlaw.
Los esfuerzos por el surgimiento de este rótulo surgieron luego de que el cantante Blake Shelton dijera en un episodio del show GAC (Great American Country):
"Si yo soy el Vocalista del Año, eso significa que soy una de esas personas que deciden si avanza el estilo. La Música Country tiene que evolucionar para sobrevivir. Nadie quiere oir la música de los abuelos. Y no me importa cuantos de estos idiotas en Nashville dicen 'Dios mío, eso no es country!' Bueno, eso es porque no compran más discos, imbéciles! Los chicos compran y no quieren la música que ustedes compraban".
Luego Shelton se disculpó por sus palabras, tuvo una conversación con el legendario Ray Price, quien dió por concluido el problema y además, se presentó en un show de los Grammys cantando con Merle Haggard, Willie Nelson y Kris Kristofferson. En el año 2018, Shelton invitó para sus giras a los legendarios John Anderson, a los Bellamy Brothers y a Trace Adkins. De alguna manera, muchos dijeron que esto fue para reparar sus malogradas palabras. La gira fue un gigantesco éxito.
Watson no creyó que las disculpan fueran sinceras y que Shelton había revelado sus verdaderos sentimientos hacia la Música Country, lo que lo impulsó a crear el término ameripolitan para honrar y preservar las raíces del estilo: Los premios Ameripolitan se entregan todos los años.


Allison Moorer	BR5-49	Danni Leigh	Dale Watson

En 1995, la publicación de la revista No Depression significó un espaldarazo importantísimo para el movimiento alternativo. No Depression tomaba su título de una vieja canción de la Familia Carter y un album del grupo Uncle Tupelo. Con el respaldo de esta publicación, comenzaron a surgir miríadas de sellos independientes, que permitían a los artistas la libertad para crear la música que querían y cómo la querían. Por su parte, No Depression incluía en sus páginas desde artículos sobre Bluegrass y entrevistas a artistas como Ricky Skaggas, hasta los sonidos cantineros texanos de Dale Watson, con entrevistas a artistas seminales en la Música Country, como George Jones o Hank Thompson.
En 1995, el reporte Gavin instituyó las listas de música Americana Music, que incluía a artistas que no estaban en el formato New Country. También comenzaron a surgir centenares de estaciones radiales que enfocaban su atención hacia este tipo de música y que permitieron que artistas veteranos que habían sido dejados de lado por las estaciones radiales de New Country, encontraran un nuevo reducto donde hacer escuchar su nueva música. A los 66 años, en 1997, Johnny Cash con su album "Unchained" del sello American Recordings, ganó un Grammy por Mejor Album Country, sin que las radios New Country se hubieran preocupado de difundirlo. Esto dio origen a la famosa foto que Cash y American Recordings publicaran en la revista Billboard, junto a un enorme THANK YOU (Gracias), burlándose de la industria disquera de Nashville. La foto había sido tomada originalmente en un concierto en la prisión de San Quintín en 1969.

Bro Country
Este es un término que surgió para definir al country liviano, sin mayor contenido, surgido en los años 2000 por el cual desfilan canciones cuya temática gira en torno a amigotes que se reúnen en fiestitas los viernes o sábado de noche con la intención de emborracharse, ver a las chicas de short -a las que nunca llaman por su nombre, sino que se refieren a ellas como "baby"- y andar a toda velocidad en su camioneta. Son canciones que suenan más cercanas al pop de los años 70, incluso con elementos de hip hop, canciones de letras muy simples, para escuchar y olvidar a los pocos minutos, la mayoría de las cuales nunca llegarán a ser consideradas clásicos de la Música Country. O por lo menos, eso esperamos.

El término "BroCountry" fue usado por primera vez por la periodista Jody Rosen en la revista New York, en su artículo del 11 de agosto del 2013. Aqui encontramos a gente como Jason Aldean, el dúo Florida Georgia Line, Jake Owen y Blake Shelton pero, por supuesto, no hay cantantes femeninas en este terreno.

El neologismo originó una dura reacción por parte de muchos artistas como Alan Jackson, Travis Tritt, Brad Paisley y Gary Allan, entre otros, diciendo que estas canciones mostraban una pobre pintura de la Música Country. La división fue acentuándose tanto que se llegó a hablar de una "Guerra Civil" entre los defensores y los detractores del estilo. Uno de los pocos periodistas que habló favorablemente sobre el BroCountry fue el crítico David Horse, de Los Angeles Times, quien comparó esta tendencia con las canciones surfistas de los Beach Boys o, más cercano en el tiempo, las de Bon Jovi o Sammy Hagar: "Para un joven, la atracción de libertad sin preocupaciones es muy fuerte." Además de lo repetitivo de la temática, muchos denunciaron cómo se presentaba a la mujer en estas canciones: Kenny Chesney dijo que cuando se menciona a una chica, siempre está con shorts recortaditos y tomando alcohol en alguna fiestita. Por su lado, Brad Paisley planteó que algunas líneas de las canciones son tan pobres que los compositores tendrían que jurar que no las usarían nunca más.

Hoy en día, el Bro Country sigue vivito y coleando y creando más artistas que nunca.No usan sombrero de cowboy, sino gorritas hacia el costado y sus videos parecen más de Enrique Iglesias que Alan Jackson. Paralelamente, el Country Alternativo se ha convertido en un importantísimo reducto para aquellos que buscan algo más con su música. La conclusión es que hay de todo, para todos los gustos. Shania Twain y Taylor Swift -la cual terminó abandonando el estilo country- han tenido un éxito descomunal, no sólo en el terrerno country sino también en el pop, como lo supo tener, por ejemplo, Kenny Rogers en las décadas de los 70 y 80. Pero también los alternativos cuentan con gigantescos mercados y además, un gran público en el exterior, sobre todo en Europa, donde muchas veces son más apreciados que en su propia tierra natal. Y todos venden discos masivamente, llegando con gran rapidez a los preciados Discos de Oro. Las redes sociales se han convertido en otro mecanismo de difusión de artistas que cultivan el verdadero estilo country, cuando las grandes radios prefieren ignorarlos.

La historia pendular seguramente seguirá. Se ha dicho que el deseo de volver a lo tradicional llega cada 25 años en el mercado comprador, así que auguramos un mayor crecimiento del Country Alternativo, Tradicional, Clásico, Ameripolitan o como se le vaya a llamar y un declive del New Country, pero seguramente en un tiempo, esto se revertirá, quizás con nuevos rótulos que, al fin y al cabo, seguirán identificando la rivalidad entre lo más pop y lo más tradicional.

No dejen de visitar nuestra página de La Música Country y sus variantes, para mayor información sobre subestilos musicales y temáticos. Click aquí.

Bibliografía:
The Country Music Book, por Michael Mason, Robert K. Oerrman, Rich Kienzle, John Lomax III, Bob Millard, publicado por Charles Scribner's Sons, 1985.

The Harmony Illustrated Encyclopedia of Country Music, por Alan Cackett y Douglas B. Green, publicado por Salamander Books, 1986, 1994.

Modern Twang: An Alternative Country Music Guide & Directory, por David Goodman, publicado por Dowling Press Inc., 1999.

Joel Whitburn's Top Country Singles, publicado por Record Research, 1998.

The History of Country & Western Music, por Tony Byworth, publicado por Bison Books, 1984.

http://www.roughstock.com/history/

Raúl J. Tejeiro- A.M.C.U. 2006


Faith Hill	LeAnn Rimes	Shania Twain	Taylor Swift